Neoexpresionismo...

·      Es un movimiento pictórico surgido a fines de los 70 y principios de los 80 en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos. Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda. El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestro al gran artista alemán de los setenta, Joseph Beuys.  

·         Características:

-          surgió como reacción contra el minimalismo y el arte conceptual.

-          Se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles, como el cuerpo humano, dibujadas de manera muy burda.

-          Se destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el “dripping”, pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Es el primer movimiento de posguerra alemán que enfrenta a su propia historia asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.

• En Estados Unidos, específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.

Fuentes de Información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo

• Artistas Representativos:

Jorg Immendorff (1945-2007): fue un pintor neoexpresionista alemán. Fue uno de los más destacados pintores de la posguerra. Se destaca la serie de 1970 del conjunto de sus obras.

Georg Baselitz (nacido el 23 de enero de 1938): es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.
Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer).
Sigmar Polke (Oels, Baja Silesia, 13 de febrerode 1941 - Colonia, Alemania, 10 de junio de 2010): fue un pintor alemán postmoderno, dentro del pop art.
Fred Friedrich: (Alfred Erwin Günter, Friedrich), ( Kreuzberg Berlín, 25 de enero de 1943) es un pintor, escultor y arquitecto alemán cuyos trabajos de arte se vinculan al Neoexpresionismo, una de las corrientes de Arte Postmoderno surgido en los años 80 (Neue Wilde), posteriormente a la Expresionismo abstracto y a la "Informela Abstraction" (Trachismus). Es uno de los miembros del Neoexpresionismo alemán más rebelde e individualista, demostrando sus criterios anti-religiosos con una de sus mas controvertidas, Instalaciones, denominada "Ex-Voto", con ella despierta la critica y la censura de la sociedad cultural y religiosa de nuestra época.

  

Intriga, 1911

James Ensor es el pintor de los falsos, los mentirosos y los que ocultan la verdad de quiénes son, con una máscara y tapándose la cara.
En la época que vivió, la burguesía formaba una sociedad hipócrita, una sociedad con caras falsas y expresiones traidoras. Después llegaría la 1ª guerra mundial y se desinflaría la burbuja idealista en la que Europa estaba metida. Ensor, como visionario que fué, captó a aquellas gentes absorvidas por el “aparentar”, la vida viciosa de las ciudades y la mediocridad de gentes con dinero (o no tanto) y sin educación.

Hiperrealismo...

•        Tendencia radical de la pintura realista, surgida en EEUU a finales de los años 60  del    siglo XX. Tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. El arte pop es el precursor inmediato del hiperrealismo.  Propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
•                         Características:

-          Los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles.

-          Algunos trabajan a partir de las fotografías.

-          Se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana.

-          El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes.

-          Los fotorrea nunca se constituyeron en grupo, pero si hicieron exposiciones que los presentan como un estilo.

•     Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible. Pero también es cierto que se produce saturación de la información visual: el apego a la transcripción objetiva normalmente dificulta el despliegue de una audacia imaginativa mayor o divertimentos cromáticos que permitan las necesarias sugerencias poéticas de las imágenes expuestas.
•  Artistas Representativos:
  
  Reg Butler, John Davies, Duane Hanson, Richard Estes

Chuck Close: (Charles Thomas Close, nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington, EE.UU.) es un artista estadounidense, pintor y fotógrafo fotorrealista. Desde 1988 tetrapléjico, prosiguió su carrera utilizando diversos métodos creativos.

Hombre de cubo, 1974, John Davies

Es un ejemplo de los primeros trabajos de John Davies en que las cifras se dedican a actividades ambiguas. La combinación de realismo asombroso – con a primera vista esta cifra puede aparecer muy viva, y el tocado ligeramente absurdo, traje ensangrentada de pintura y cubos proporciona a cazo hombre con un sentido convincente de misterio.
 
Fuentes de información:

http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.htm

Richard Estes: (nacido el 14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) es un pintor estadounidense conocido por sus pinturas fotorrealistas.
Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en paisajes geométricos de ambientes urbanos en donde los automóviles, forma de vestir, carteles publicitarios y escaparates, representan el ambiente de la época.
Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús. También reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento foto-realista internacional de finales de los años sesenta, con artistas como Malcom Morley, Chuck Close y Duane Hanson.

Op Art...

·     Es un movimiento pictórico nacido en EE. UU en 1958, conocido por su acepción en inglés: OP ART: ese término se acuño por un artículo publicado en 1964 por la revista time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.

    Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Se ha cuestionado si el arte óptico debe considerarse incluido en el ámbito del arte cinético.
 

·         Características:

-          Se caracteriza por varios aspectos como la ausencia total del movimiento real

-          Todas sus obras son físicamente estaticas, pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, ubicación, parpadeo o difuminación

-          Creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.

-     Es una evolución matemática del arte abstracto.

-     Se usa la repetición de las formas simples.

-     Los colores crean efectos vibrantes.

            -     Gran efecto de profundidad.

            -     Confusión entre fondo y primer plano.

            -     Hábil uso de las luces y las sombras.

            -     El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.

            -     Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.

            -     En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.

• Además el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.
• Artistas Representativos:
  
  Victor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.
  Víctor Vasarely: (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. Se interesó  por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
  Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
                   
  
  Victor Vasarely "Vega Nor", 1969  utiliza el "alfabeto Plastique" para crear ilusiones ópticas. Cada color y forma fue asignado a una variable que puede ser manipulada fácilmente. La relación cinética de color y forma dio dimensión a su labor. Él y muchos otros artistas Op crearon imágenes paradójica que desafiaron las limitaciones espaciales.

Fuentes de información:
http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art

Pop Art...

• Nace en Inglaterra y EE UU (nueva york fundamentalmente) a fines de 1950, siglo XX.  Es interpretado como  una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo  abstracto, ya que lo consideraban vacio y elitista.  Es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son los elementos de los que se sirve.   Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.
• Características: manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
   
• Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".
• Artistas Representativos:
  
  Richard Hamilton :(Londres, 24 de febrero de 1922) es un pintor británico, pionero del arte pop británico.
  En los años cincuenta, su obra, influida por Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se preocupa por el movimiento o la perspectiva.
  1952 sería un año clave en su trayectoria artística.  Al tiempo fundó junto a Eduardo Paolozzi, Lawrence Alloway, Peter y Alison Smithson y Nigel Henderson el Independent Group en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA).
  Su obra se nutriría desde entonces de los motivos y elementos de la cultura popular y de masas.
  También fue el diseñador de la cubierta del White Album (Album Blanco) de The Beatles, en 1968.
  
  En 2007 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann.
  
  James Rosenquist: obtuvo una beca limitada para estudiar en la escuela de Arte de Minneapolis. Posteriormente estudió pintura en la Universidad de Minneapolis desde 1952 hasta 1954. En 1955 se trasladó a Nueva York con una beca para estudiar en la liga de estudiantes de Arte, donde estuvo hasta 1959.Robert Rauschenberg: (
  22 de octubre de 1925, Port Arthur, Texas;12 de mayo de 2008, Tampa, Florida) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país.
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  Marilyn Monroe, Andy Warhol
  
  Andy Warhol utilizó fotografías de gran tamaño, las que servían de base para pinturas al óleo o a la tinta, técnica que permitía la producción en serie de imágenese, realizando alteraciones menores en cada versión. De estas series, se destacan: las fotografías de Marilyn Monroe, Che guevara, Elvis Presley, Mao Tze Tung, y la lata de sopas Campbell.Andy Warhol y sus obras, encontraron eco en los años 60.
  
  
  Fuentes de información:
  http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias2/pop-art.html
  http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop
  
  

Surrealismo...

• Surge en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. 

• El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926. Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

Características generales:
 

• Animación de lo inanimado
• Metamorfosis
• Aislamiento de fragmentos anatómicos
• Máquinas fantásticas
• Elementos incongruentes
• Perspectivas vacías
• Evocación del caos
• El sexo y lo erótico se trata de modo lúbrico
• Autómatas
• Espasmos
• Líbido del inconsciente
• Relaciones entre desnudos y maquinaria

• En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rimaismosExpresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.
• Artistas Representativos:

Salvador Dalí ha sido el más destacado excéntrico en sus hechos, dichos automáticos, escritos y por supuesto obra. La relación de artistas que se mueven dentro del surrealismo es extensa: Duchamp, Max Ernst, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, René Magritte, Yves Tanguy, Paul Delvaux.

Magritte (1898-1976):Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.

Masson (1896-1987): Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

Chagall (1887-1985): Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.

Joan Miró (1893-1983): "Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".

Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.

Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.

Salvador Dalí (1904-1989): Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.

También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.

Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

Salvador Dalí, Bodegón al claro de luna, 1927, 199 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
     Otro cuadro pseudocubista de la misma época. No puede escapar de incluir elementos absolutamente reales aunque sean unicamente dibujados a línea. El bodegón situado en el centro es formalmente cubista en sí, el entorno es como un acomodo figurista que justifica la situación de la mesa, las casas, el mar y la luna.

Fuentes de información: 

http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo

http://www.arteespana.com/surrealismo.htm

http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7826&Itemid=8

Dadaísmo...

• Es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte.

• No era tanto un movimiento artístico como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, y frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró respetable. El bigote y la inscripción obscena en la "Mona Lisa" ilustra perfectamente esta actitud. Los Dadaístas experimentaron diversos estilos artísticos, algunos de los cuales serían desarrollados posteriormente por los Surrealistas. En el período de entreguerras, el Surrealismo (asentado en París y altamente cosmopolita) dominó el mundo del arte y jugó un papel importante en la literatura y en el cine. A partir de mediados de los años 40, muchos de sus reclutas más relevantes vinieron de América.

• El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

• De acuerdo con el escritor Marcos Aguinis, “la revolución dadaísta fue una protesta civilizada que generó frutos, flexibilizó las emociones, multiplicó las lupas y amplió el espacio de la estética”. En tanto, para María Belén Luaces, la insatisfacción es la que impregna la obra dadaísta: “Para Dadá era imposible aceptar el mundo después de la tragedia de la guerra, su ira y su negación fueron creciendo a la par de las bombas y los tanques de doble tracción”. Entre los principales exponentes del dadaísmo encontramos a Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Raul Hausmann, Max Ernst y Jean Arp.

• Artistas Representativos: 

Raul Hausmann: Su aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético.

En El crítico de arte ofrece la visión de un experto de arte y lo representa desdentado y con un zapato en la cabeza para denunciar la vaciedad y la inutilidad de sus pensamientos.

Kurt Schwitter: Creó ensamblajes de cartón, madera, alambre y objetos rotos, así como collages con diversos objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc.

En su casa elaboró una obra a la que llamó Merz-Säule. Se trataba de una escultura hecha de bultos y concavidades con hallazgos cotidianos o con objetos tomados a sus visitantes como mechones de cabello o uñas cortadas, y que tenía la propiedad de crecer como si fuera un organismo vivo. Cada día le agregaba algo y llegó a crecer tanto que ocupó dos pisos.

Max Ernst: Max Ernst, junto con Baargeld, organizaron una exposición que obligaba al publico a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos.

En medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. En las paredes colgaban collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. La exposición fue prohibida.

La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada neoyorquino.

Marcel Duchamp: Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte.

En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.

Man Ray: Realizó un conjunto de obras que llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas está Cadeau, que consiste en una plancha de cuya base salen algunos clavos, o la obra llamada La puericultura II, que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde.

El movimiento dada construye el ambiente propicio para que surjan otras grandes corrientes, como el Surrealismo, y propone una nueva definición del arte al romper con los esquemas tradicionales integrando objetos del entorno cotidiano dentro de los medios de expresión plásticos. 

  Monalisa

Fuentes de Información: 

http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo

http://www.arteespana.com/dadaismo.htm

Arte Abstracto...

• Surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. Se podría decir que esto comienza a partir de la Segunda Guerra Mundial gracias a la cual, se produce una gran migración de artistas e intelectuales hacia América, lo que permitió la continuidad y evolución de las vanguardias ya establecidas durante la primera etapa. Pero en realidad, años antes, estos artistas ya exploraron la abstracción. El primer paso lo hace Van Doesburg en 1930 cuando funda el Arte Concreto, un año más tarde se crea la Asociación Abstraction-Création y luego en 1936, Max Bill retoma y aclara el sentido del Arte Concreto. El iniciador de este movimiento en la Argentina es Juan del Prete.
• Cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
  
  El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
• El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

• Artistas Representativos:

Mondrian, Malevich, Duchamp, Picabia, Schwitters, Kupla, Kandinsky, Klee, Tatlin, Marc y Macke.
Vasily Kandinsky :(1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el arte", donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores. entre sus obras, destacamos Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación, Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.

Paul Klee :(1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas irreconocibles. Entre sus obras, El niño en el paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto y veleros.

Obra de Piet Mondrian

Lo mejor de los fondos del Instituto Valenciano de Arte Moderno sobre arte abstracto del siglo XX se dan citan en la exposición La abstracción en la colección del IVAM, con piezas que abarcan de 1913 a la actualidad.
La muestra reúne un total de 58 obras, entre pinturas y esculturas, en donde se pueden leer los pasos de esta corriente que revolcionó la forma de pensar y leer el arte. La muestra se constituye en la cuarta exposición temática del IVAM, tras las de fotografía (2005), el arte pop (2006) y las instalacionesy nuevos medios (2007).

Fuentes de informacion:

http://www.artespain.com/26-06-2010/informes/12132
http://es.wikipedia.org/wiki/Kazimir_Mal%C3%A9vich